En 2022, las características animadas utilizaron muchas técnicas diferentes y busca contar sus historias, como Stop Motion para “Marcel the Shell With Shoes On”, “ Guillermo del toro Pinocho” y Henry Selick ” Wendell ”
Cuando Fleischer-Camp comenzó a diseñar su personaje principal para “Marcel the Shell with Shoes”, investigó en profundidad sobre la ciencia de la ternura y se encontró con la idea de que los mamíferos de los bebés a menudo tienen ojos y cabezas que son desproporcionadamente grande en relación con sus cuerpos.
“Pensé que no había más ojo amplio que solo un solo ojo por sí mismo”, dice Fleischer-Camp. “Hicimos un poco de rediseño para la función y lo hicimos un poco más grueso, pero básicamente se ha mantenido igual”.
La historia de Helmer de un extraño en busca de una casa parecía una opción perfecta para Stop Motion, con todo su encanto peculiar y único. Nunca podría imaginarse decirlo en otro medio.
“(Stop Motion) es una artesanía tan antigua y mucho se ha mantenido igual durante tanto tiempo”, dice Fleisher-Camp. “Creo que por cualquier razón, ha sido una de las últimas cosas para ser interrumpidas y reconsideradas en la era digital de efectos especiales y efectos visuales. Ahora tenemos un acceso de elevación realmente fácil y bajo a cosas como la eliminación de plataformas y cosas que son que facilitan el proceso, pero también aumentan todo tipo de aplicaciones y oportunidades para el movimiento de parada. Haciendo “Marcel” estábamos haciendo un montón de investigaciones y descubriendo cosas. Eso no tenía precedentes porque la última vez que se había intentado en una función que creo que era “Monkeybone”, que fue mucho antes de que las personas crecieran en el software After Effects and Editing. Me hizo sentir que hay toneladas de posibilidades realmente geniales no solo para detener el movimiento, sino también para fusionar técnicas de parto con otros tipos de técnicas. Y en “Robin Robin”, creo que fue la primera vez que vi un uso de capas. Básicamente, cada una toma en esa película, creo que son 15 capas. Entonces, creo que es un indicador de lo que vendrá y espero que sea una nueva revolución en Stop Motion “.
Guillermo del Toro
Del Toro ha hablado muchas veces sobre su relación con su padre y cómo ha filtrado las películas que ama y las películas que hace. “Pinocho” no se completó hasta cinco años después de la muerte de su padre, pero la influencia todavía está allí, en lo profundo de la narración.
“Para muchas personas que miran lo que haces, eres un director y hay una filmografía pero, para ti, eres un ser humano y es una biografía”, dice Del Toro. “Realmente tenemos álbumes familiares para que el mundo lo vea. Algunas personas dicen: “Así es como pasé mis vacaciones en Yosemite”. Decimos que así es como pasamos la última década y media. Así es como pasé los últimos 1,000 días compartidos con un increíble grupo de artistas. Creo que cuando abordas una película con artistas que entienden lo profundo que es para ti, lo haces profundo para ellos. Dirigir está haciendo que la experiencia sea profunda para todos. Eso es realmente. La gente confía en ti para ser una inspiración o un policía de tránsito. Dices más magenta o menos magenta, más cian o los mueves aquí. Dices que esto es de lo que se trata la escena y esto es lo que el títere debería sentir. ¿Cómo lo vas a mostrar? Cuéntame un poco al respecto. Y te tomas el tiempo para hablar con los animadores como artistas.
“Entonces, creo que cuando mi padre fue secuestrado y lo rescatamos en 1998, algo cambió. Salió muy frágil. De repente lo vi como un ser humano, no mi papá.
“El segundo gran momento fue en sus últimos días, cuando pude sentarme a su lado sin que él pareciera un gigante, pero solo una persona, y entendí las cosas a un nivel instintivo. Y estas son cosas que te preguntas a ti mismo y a ti mismo en público, con películas como [“Pinocho”], ya sabes, y como uno de los grandes misterios del universo, es la capacidad que tenemos que vernos y amarnos unos a otros. . ”
Como timonante, coreógrafo, guionista y bailarín, Holmes trabajó en “The Pirate Fairy”, “Secret of the Wings” y “Mickey’s Twice on a Christmas” antes de “Luck”. Es dentro de la animación Skydance que encontró las oportunidades para aprender de otros artistas y refinar su propio trabajo.
“He tenido la suerte de estar en empresas donde realmente puedo trabajar y desarrollar historias con las personas allí”, dice Holmes. “Creo que es lo exclusivo de la animación es que creas un estudio donde hay muchos artistas y comienzas a crear historias dentro de ese estudio. Tienes diferentes artistas trabajando en diferentes historias posiblemente. Es una gran oportunidad para que más personas cuenten sus historias. Y esa es la idea de que en la animación, que es que desea crear un estudio de animación y una comunidad de artistas, que crecen y se desarrollan con el tiempo, y tienes la oportunidad de ser parte de esa comunidad. Tal vez ahí es donde hay una gran diferencia en la animación. Obtiene mucha orientación a medida que desarrolla historias dentro de la empresa. El estudio está invirtiendo en artistas y uniendo equipos creativos e invirtiendo en artistas para ver qué puede provenir de escribir o desarrollar una idea o estar adjunto a un proyecto. Ahí es donde realmente permite que los artistas florezcan “.
Holmes también ama la oportunidad de trabajar con equipos de artistas que intercambian comentarios sobre el trabajo. Ella siente que ha aprendido al ver a otros hacer crecer sus proyectos y las discusiones diarias sobre cómo se están uniendo la historia y la animación.
“Estás viendo el trabajo de otros artistas y estás viendo sus películas y progresos y no es Siempre fácil ”, dice Holmes. “Encuentro que es mucho más fácil aprender algo cuando estás mirando la película de otra persona que la tuya, porque es muy difícil separarse de lo que tienes lo que estás haciendo”.
La animación irlandesa y cofundador Cartoon Saloon, Twomey produjo los elogiados “Wolfwalkers” y su último trabajo como director es “My Father’s Dragon”, una aventura animada en 2D. Como alguien que recurrió a la animación temprano en su vida, cree que el medio atrae a cierto tipo de artista.
“A menudo me pregunto sobre la animación en general sobre si el tipo de personas que atrae”, dice Twomey. “Para dibujar, tienes que poder escuchar. Debes poder verte correctamente y tienes que poder hacer espacio en tu en tu cerebro para los impredecibles y las cosas que no son normales, cosas que no son lo que esperarías. Creo que en la animación, hay más apertura. No quiere decir que ese siempre haya sido el caso en absoluto. Incluso cuando comencé hace más de 25 años, creo que fui una de las cuatro mujeres en mi año en la universidad. Creo que soy el único de esos cuatro que todavía está funcionando en animación, pero he visto que a lo largo de los años cambia. Ahora, si entro en un aula universitaria, a menudo son principalmente mujeres las que están allí. Mi equipo en mi película era en su mayoría mujeres y muchos de los trabajos de alto rango dentro de esa película como Director de Arte y Jefe de Animación eran mujeres. Esto generalmente no sería lo que ha tenido hace unos 10 o 15 años. Y es tanto que comencé a darlo por sentado. Siempre quise que eso fuera parte de historias que son un poco diferentes, y creo que al tener una tripulación que no está a una edad en particular o un género en particular o de un fondo particular, tienes más voces y narración más interesante. ”
Henry Selick
Como una voz icónica en Stop Motion, Selick se ha dedicado al medio durante décadas. Con su último “Wendell
“Fui animador en Disney dibujando muchas cosas lindas”, dice Selick. “Pero he estado involucrado en Stop Motion durante mucho, mucho tiempo y siempre me sentí atraído por Stop Motion. Para ‘Wendell
La animación japonesa Helmer y cofundador del estudio de animación Science Saru, Yuasa ha trabajado tanto en cine como en televisión a través de su carrera. Su trabajo más reciente, “Inu-oh”, se basó en la novela “Tales of the Heike: Inu-oh” de Hideo Furukawa y sigue la amistad entre un bailarín y un músico ciego. Yuasa habló con variedad a través de un traductor para discutir su perspectiva sobre la animación.
“Estoy en animación porque el primer trabajo que obtuve fue la animación”, dice Yuasa. “Es cierto que es un lugar de posibilidades interminables, pero no es fácil de hacer. No es fácil hacer todo cuando haces una película o muestra de animación, por lo que hay algunos límites en lo que tú como persona puedes hacer, pero me gustaría seguir dirigiendo la animación con un ojo sobre esa posibilidad interminable. Espero hacer más características de animación y hacerlas incluso mejores que antes. También quiero ingresar a diferentes medios como YouTube y quiero intentar hacer proyectos para una especie de teatro estilo planetario. Aquí [en Japón] todo se trata de rodearte de la imagen. También estoy interesado en la realidad virtual. Por lo tanto, continuaré haciendo películas y televisión, pero también quiero que me guste tratar de desafiarme con esos diferentes medios. Si hay algunas formas nuevas de poder entretener a la gente, podría ser transmisión o películas, o formas más innovadoras de entretener a las personas, eso me parece más interesante “.
Aunque tiene un ojo Trabajando en nuevos medios, el desafío de contar una historia antigua en “inu-oh” todavía lo fascinaba.
“Quería representar cómo las vidas eran en ese entonces y 600 años, y por animación que eso Podríamos hacer eso como mucho más de manera realista, en cierto modo ”, dice Yuasa. “Quería que las personas en el mundo actual lo entendieran, así que para hacer eso necesitaba tener una forma de arte más exagerada para dar el sentimiento similar que la gente en ese entonces tenía”.
El trabajo de Gustafson en Stop Motion fue legendario desde el principio. Al principio de su carrera, trabajó en comerciales con las pasas de California. Más tarde comenzó a trabajar en características que comienzan con el “fantástico Sr. Fox” de Wes Anderson. Ahora es codirector de “Pinocho de Guillermo del Toro”, donde colaboró con Guillermo del Toro durante gran parte de la pandemia en una característica que tardó 10 años en hacer.
“No puedes ser objetivo de inmediato sobre la película que estás haciendo y debes saber que realmente te tomará el tiempo para ser objetivo sobre lo que estás trabajando”, dice Gustafson. “Intentas mantener tu distancia tanto como sea posible cuando la estás haciendo porque tienes que tomar tantas decisiones que no tienen nada que ver con hacer la película. Decisiones prácticas sobre programación y presupuesto. Esa es parte de la disciplina de hacer una película como esta es comprender que sus ideas deben servir a la historia en lugar de una gratificación instantánea para usted. Tienes estos momentos de “¡Oh, esa es una gran idea!” Lo entiendes todo el tiempo. Y luego te das cuenta, simplemente no puedo hacer eso porque tengo algo más grande que tengo que honrar.
“La pandemia fue, en realidad, de alguna manera, una bendición para nosotros porque somos capaces Para reenfocarse en la historia sin el peso de la producción, solo conduce hacia adelante. Todo se ralentizó lo suficiente como para respirar y Guillermo dijo: “Muy bien, veamos lo que estamos haciendo”.